записи с новостями галереи
При посещении федеральных музеев — доступен проход на постоянные экспозиции и временные выставки в любое время в соответствии с режимом работы учреждений культуры.
Посетителю необходимо оформить электронный билет соответствующей категории на официальной странице музея в сети Интернет либо обратиться в кассу музея.
В день проведения мероприятия на контроле музея необходимо показать билет и предъявить документы, подтверждающие статус участника СВО и члена семьи участника СВО.
Судковский Руфин Гаврилович (1850-1885) — российский живописец-маринист, академик Императорской Академии художеств.
Родился в апреле 1850 г. в семье потомственного православного священника в городе Очаков Херсонской губернии.
Как старший сын, он должен был унаследовать профессию отца. Поэтому будущий художник закончил сначала Очаковское духовное училище, а потом Одесскую духовную семинарию.
Но душа его с детства была покорена красотою морских пейзажей; и еще в Одессе юноша начал посещать вечерние классы рисовальной школы Общества любителей искусства, где он познакомился с И.К. Айвазовским.
В 1868 году Судковский поступил в Императорскую академию художеств и через три года учебы получил две серебряные медали, большую и малую. По состоянию здоровья в 1872-1873 гг. не мог посещать занятия в Академии, числился вольнослушателем. С 1873 года он постоянно живет в Очакове. Работает много как пейзажист, маринист и постоянно совершенствуется.
Поездки за границу: в Германию, Францию, Италию и Швейцарию развили наблюдательность художника и улучшили его технику.
В 1877 году за представленные в Академии работы он получает звание классного художника II степени, еще через два года – классного художника I степени, а в 1882 году за картину «Буря возле берега Очакова» ему присудили звание академика.
Критики восхищались зеленовато-серебристо-жемчужными тонами лунных марин художника, «по силе и мощи кисти не имевшего себе конкурента среди сотоварищей».
Судковский выполнял заказы Морского министерства. В Очакове для Морского собора написал иконы «Хождение по водам» и «Рождество Христово». В своем творчестве испытал влияние И.К. Айвазовского. Работам Судковского присущи тщательная проработка деталей, интерес к эффектам освещения, умение жизненно изобразить морскую стихию, передать «ее покой и движение, ее прозрачность и безбрежность, приветливую игру в ней солнечных или лунных лучей в тихую погоду, ее суровость и грозное величие во время бури».
Руфин Гаврилович Судковский участвовал во многих академических выставках, во Всемирной выставке в Антверпене.
В феврале 1885 года, на пике своей карьеры, он заболел тифом во время выставки в Киеве и был доставлен обратно в Очаков, где и умер, не дожив до 35 лет.
Несмотря на недолгую карьеру художника, его творческое наследие достаточно обширно. Произведения Судковского находятся во многих музейных собраниях, в том числе Государственной Третьяковской галерее, Государственном Русском музее, Центральном военно-морском музее в Санкт-Петербурге и др.
Максимилиан Александрович Волошин (1877-1932) – поэт и художник, философ и искусствовед, создал тысячи работ, которые называл «музыкально-красочными композициями на тему киммерийского пейзажа». Множество акварелей, по цветовой гамме напоминающих карадагскую гальку, рассказывают о первозданной красоте земли. Коктебельский залив, Кара-Даг, окрестности Коктебеля, изображенные мастером, теперь принадлежат вечности.
В 1913 году М. А. Волошин пристроил к своему дому в Коктебеле мастерскую и с 1916 года работал там почти исключительно в технике акварели. Разбирая свой метод работы, подхода к природе, изучения и передаче ее, художник утверждал, что стоит на точке зрения классических японцев (Хокусаи, Утамаро). Старинная восточная живопись являлась синтезом изобразительного искусства, поэзии и каллиграфии, которую считали частью философии. Как и восточные художники, М. А. Волошин делал стихотворные подписи к рисункам. Одни эти надписи на акварелях могли бы составить целый поэтический том.
На данной выставке представлены 8 акварелей. Каждая из них уже в своем названии заключает поэтическую сказку или легенду. Одна из них отсылает нас к классической поэзии – «Оссиановская ночь». Другие предлагают, подобно восточным поэтам, понаблюдать смену времен года или полюбоваться луной.
М. А. Волошин в живописи и графике многому учился сам. Специалисты, рассказывая о его работах, отмечают интересные и оригинальные подробности, придуманные автором. Ныне его акварели стали самой настоящей классикой. Поэзия, заключенная в них, вдохновляет уже не одно поколение поэтов и художников.
На выставке представлено 13 живописных работ Михаила Пелопидовича Латри (1875-1941) — замечательного живописца, графика, керамиста, внука И.К. Айвазовского. М.П. Латри профессиональное образование получил в Императорской Петербургской Академии художеств, в мастерской А.И. Куинджи. После ухода в 1897 году А.И. Куинджи из Академии, М.П. Латри уехал в Мюнхен, где в течение двух лет работал в очень популярных в те годы студиях Холоши и Ферри-Шмидта. Возвратившись в Россию, вновь начал посещать Академию художеств, которую закончил в 1902 году.
Круг творческих интересов М.П. Латри всегда был очень широк. Он работал в разных жанрах. Но на выставке представлены в основном морские пейзажи. С детства художник видел море, оно вошло в его жизнь неотъемлемой частью. Юношей он подолгу гостил в Феодосии, наблюдая, как под кистью И.К. Айвазовского на белом холсте возникали волны, скалы, небо и корабли, идущие под парусами в неведомую даль. Его мечтательную и романтическую натуру властно тянуло к изменчивым просторам моря. Но его марины очень отличаются от произведений его прославленного деда И.К. Айвазовского. Лучшие произведения М.П. Латри написаны с натуры, широкой кистью и прекрасно передают первое впечатление от увиденного мотива. Широкую манеру письма он воспринял в Академии Художеств, она была свойственна почти всем ученикам А.И. Куинджи, давала возможность художнику выражать свою натуру, эмоциональную и экспрессивную. В морских пейзажах М.П. Латри главное — это атмосфера, воздух и вода, и воздух чаще всего влажный и свежий: рожденный у моря художник знал все оттенки такого воздуха и все характеры водной стихии. Работа «Свежий ветер» выполнена широкими пастозными мазками, динамика которых прекрасно передает состояние природы в ветреную погоду. Картина интересна своей колористической структурой. За счет чередования темных и светлых холодных тонов возникает необычная, близкая к натуре, палитра, хорошо передающая состояние моря в холодный ветреный день. Этюдная манера изображения – незавершенность, сохраняющая непосредственное впечатление от натуры, – дает возможность передавать изменчивость состояний природы. В этой работе М.П. Латри приближается к технике Альбера Марке, известного и популярного в то время в России французского живописца.
В центре экспозиции картина — «Восход луны», построенная на удивительной гармонии светло-сиреневого цвета воздуха и воды и сине-зеленого цвета корпуса шхуны и ее отражения в воде. Диск луны, поднявшись над горой, едва отражается в спокойной глади моря. Мягкость и правдивость красочной гаммы, в сочетании с большой простотой и ясностью форм, удивительная легкость, с какой едва намечен лунный блеск на воде, свободное и уверенное письмо картины передают переживания художника и говорят о мастерстве, которого он достиг. Рядом представлена работа «Лунная ночь на море», в которой М.П. Латри очень хорошо удалось передать очарование тихой лунной ночи в открытом море. Легкая шхуна скользит по морю под парусами. Она выглядит темным силуэтом, закрывая луну. Сквозь парус едва пробивается мягкий свет. Шхуна сдвинута в левую половину холста, ее корпусу предан легкий наклон, что создает очень правдивое и живое ощущение движения. Оно усилено легкой зыбью, которая передана быстрыми ударами кисти, бегло положенными мазками светло-желтой краски по темному подмалевку. Картина выполнена в скупой красочной гамме, построенной на сочетании приглушенного иссиня-зеленого цвета с сильно разбавленным желтым, близким к цвету слоновой кости. Как мы видим, М.П. Латри часто строил свои произведения по принципу «остановившегося кадра», «кадрировал» мотив, выхватывая самое главное. В изображении природы М.П. Латри был подлинным поэтом лириком. Под его кистью самый простой мотив становился особенным. Небольшая работа «Колоннада у моря» написана на южном берегу Крыма, в центре изображена белая ротонда, на переднем плане несколько небольших кипарисов, слева до горизонта море и горы на дальнем плане. По колориту работа удивительно гармонична, вся выдержана в серых тонах: и море, и горы, и небо, и колонны ротонды и даже виднеющиеся кое-где кипарисы, что дает ощущение спокойной грусти, умиротворения. Интересны небольшие этюды, прекрасные по цветовой гамме и живописи, «Кактусы в вазе», «Бирюзовая ваза и кипарис», они поражают своей поэтичностью и тонкой передачей движения воздуха и света в яркий солнечный день. М.П. Латри, как ученику А.И. Куинджи, было свойственно романтическое отношение к природе. Для его творчества в целом были характерны сильные живописные эффекты, часто порождающие декоративность образов.
Украшением выставки является работа, стоящая в творчестве художника несколько особняком — «Голубое утро», яркое, запоминающееся произведение. Полотно решается как декоративное панно или гобелен. Линия горизонта дана очень высоко, так что плоскость земли и зеркало водоема занимают большую часть холста, голубому небу с белыми облаками оставлена лишь узкая полоска, но это же небо мы видим отражающимся на поверхности водоема, где плавают два белых лебедя. На переднем плане спиной к зрителю изображена девушка в легком, светлом платье с кринолином и с прической, какие носили в XIX веке. Давно ушедшая жизнь возникает на полотне. Мотивы усадебной лирики, полные тихой грусти, навеянные произведениями В.Э. Борисова-Мусатова, встают перед нами. В лирическом замысле произведения большую роль играет пейзаж. Обладая тонким чувством природы, в этой работе М.П. Латри подчиняет непосредственное впечатление элегическому строю образов и своим декоративным исканиям. «Голубое утро» написано в удивительной гармонии синего, белого и зеленого цветов. Звучность красок в этом произведении, решенном всего в три цвета, отсутствие полутонов делает его особенно ярким и декоративным, что подчеркнуто матово мерцающей, проступающей сквозь краску фактурой холста, напоминающей гобелен. Студенческий друг художника Н.К. Рерих писал о его работах: «Элегия и величавость запечатлена в его картинах, в голубом тоне и спокое очертаний».
Судьба М.П. Латри, как и многих его современников, сложилась очень сложно. В1920 году он с первой волной русской эмиграции покинул Крым. Сначала он, живя в Греции, работал на керамическом заводе в Афинах, где его изделия с применением национальных орнаментальных мотивов получили широкое распространение. Позже в качестве художника он принимал участие в археологических раскопках на островах Делос и Миконос, организованных Французской академией.
В 1924 году он переехал в Париж, где организовал крупную декоративно-художественную мастерскую, выпускавшую прекрасные изделия: вазы, сервизы, различные мелкие предметы, а также лаковые ширмы, панно и другие декоративные вещи. В качестве художника М. П. Латри регулярно принимал участие в выставках, известно, что одна его картина была выставлена на Осеннем салоне в Париже. А в 1935 году состоялась его персональная выставка в Реймсе. Умер художник 11 февраля 1942 года в Париже. Похоронен на русском кладбище Сент-Женевьев-де-Буа. Произведения М.П. Латри, написанные за границей, малоизвестны нашему зрителю. Судя по ранним его работам, хранящимся в Феодосийской картинной галерее им. И.К. Айвазовского (702 произведения: 464 живопись, 188 графика, 50 керамика), — это был талантливый самобытный художник.
К Дню Конституции Республики Крым
Недавно (в 2022 году) ушел из жизни известный петербургский художник Александр Николаевич Рычков-Галактионов. В память о нем мы представляем несколько акварелей мастера, хранящихся в ФКГА.
Александр Николаевич Рычков-Галактионов (24.04.1948 г. Воскресенск – 27.02.2022 г. Санкт-Петербург) – советский и российский график и живописец. Член Союза художников с 1980 г. Член благотворительного международного общества «Ротари клуб». Отец — Николай Андреевич Рычков (1921-1968 г.г.) известный ленинградский живописец.
С 1959 по 1966 год учился в средней художественной школе при Академии художеств. Окончил Институт имени И.Е. Репина Российской академии художеств в 1973 году, учился в мастерской книжной графики у Г.Д. Епифанова, посещал мастерскую Е.Е. Моисеенко, которого почитал за большого и непревзойденного художника. После окончания института, как многие советские художники, работал в системе заказов Художественного фонда по всему Советскому Союзу. Небольшое время был главным художником в Усть-Илимске.
Творчество А.Н. Рычкова-Галактионова можно разделить на три периода:
*кобонский – самый ранний (1970-1980 гг.) Это период реалистической живописи (название от Кобоны, место на берегу Староладожского канала Ленинградской области, где дача автора). Период автопортретов, вглядывание «в себя» для него это прежде всего поиск в себе художника, о чём говорят и другие его произведения того времени, в ожидании нового начала.
*переходный, когда он уже говорит метафизическим изобразительным языком, создает полуфигуративные образы, появляется изобразительная манера «extantion», трактуемое как «протяжение пространства». К началу 1990-х годов художник совсем отходит от академической живописной манеры, его образность стыкуется с реальной лишь на уровне распознавания фигур и предметов, в композиционные сочетания которых он облекает свои творческие мысли. «Искусство — взаимосвязь энергий». Человек-художник должен себя постичь как «модель целого» и в этом процессе постижения обрести «энергетическое понимание» с «истинным рождением духа в нас», энергия которого и есть созидательная сила творчества. «На уровне энергетизма художник становится проводником и преобразователем незримых космических энергий в формы искусства, вне дуализма материи и духа…».
*в третий период творчества он продолжил эксперименты с пространством и временем в своих картинах, в которых стремится показать суету и тщетность человеческой гонки в этом мире, прозрачность и бездонность небесных («эфирных») непознаваемых пространств, в которых вновь появляются существа с крыльями. Мастер нашел своё «Я». «Мир вокруг не интересен. Напрочь. У меня это кончилось в 1997-1998-м году… Сам предмет смертен. Мне нужно связать его с небом, с Богом», — сказал однажды Александр Николаевич.
Очевидно, сам художник пережил своеобразное изменение сознания, о котором писал в своих эссе и манифестах, стремясь донести свое слово до слушателя, а искусство — до зрителя.
В 1991 году Александр Николаевич основал Санкт-Петербургский творческий фонд «Искусство современности» и стал его президентом, участвовал в деятельности общества музыки и искусств «Аполлон», в организации выставок единомышленников в Санкт-Петербурге и за рубежом.
Крымский живописец, график, фотохудожник, яркий представитель так называемого «наивного искусства».
Астафьев родился в Коломне Московской области, рано осиротел и в своей непростой жизни вынужден был рассчитывать только на себя. Довольно рано начал рисовать, с детства испытывая потребность в художественном творчестве.
После службы в армии Астафьев служил во вспомогательном флоте в Севастополе, долгое время работал электросварщиком на заводе «Море» (1957 – 1987) в поселке Приморском недалеко от Феодосии, играл в заводском оркестре. При этом занятий живописью не оставлял. Наоборот, с каждым годом все больше погружался в глубины художественного творчества. Специального художественного образования Астафьев не получил. Однако серьезно занимался в вечерней студии при детской художественной школе им. И.К.Айвазовского, затем в Московском заочном народном университете искусств им. Н.К.Крупской. Заботился о самообразовании: посещал семинары художников – любителей, художественные музеи, изучал литературу по теории и истории изобразительного искусства. И уже тогда у него сформировалась привычка полагаться исключительно на непосредственность собственного восприятия. Отказываясь от прямого копирования, он стремился передавать свои эмоции и мысли при помощи весьма пластичной формы и яркого цвета. Высокаястепень самоотдачи, постоянный труд cформировали Астафьева как художника нетривиального, с собственным стилем.
Отличительными особенностями его авторской манеры являются декоративность живописных приемов,«подвижная» перспектива, выверенная композиция, непосредственность и свобода воплощения задуманного. Художник практически не расстается с карандашом, тонко подмечая все характерное, интересное в окружающем мире, таким образом собирая необходимый материал для своих живописных импровизаций.Вдохновение свое он черпает из природы Крыма, из событий, современником которых является, из человеческих характеров и судеб. О себе он мог бы сказать словами Мориса Дени: «Искусство – в нас самих, оно состоит из наших представлений о красоте и заключается в переработке личных впечатлений в целостное художественное произведение».
Представленные на выставке живописные произведенияотносятся к разным временным периодам и прекрасно характеризуют достижения Астафьева как художника.
Работы Астафьева неоднократно выставлялись в различных художественных центрах Крыма, России и Украины, отмечались грамотами и дипломами.
Его произведения высоко ценятся и охотно приобретаются ценителями мастеров – наивистов.
В Феодосийской картинной галерее имени И.К. Айвазовского 31 января открылась выставка «А.В. Ганзен (1876-1937). Графика», приуроченная к 149-летию со дня рождения художника-мариниста, внука И.К. Айвазовского.
На выставке представлены 8 графических произведений Алексея Васильевича Ганзена из фондов Феодосийской картинной галереи имени И.К. Айвазовского.
Замечательна по тонкости проработки деталей и изысканному колориту акварель «Дача Равицкого». Выразительность и мастерство исполнения характерны для акварелей «Дома у реки», «Уголок Днепра», «Залив с освещенной скалой», «Осенний пейзаж с домами». В каждой из названных работ создан неповторимый образ природы, ощутимы профессиональное мастерство, верность традициям. Колористические акценты вызывают радостное настроение, игра светотени подчеркивает их контрастность и звучность.
В Феодосийской галерее им. И.К. Айвазовского продолжает работать выставка «Камни древних городов, осиянные лучами» (К.Ф. Богаевский (1872–1943). Живопись. Графика.), приуроченная к 153-летю со дня рождения Константина Федоровича Богаевского – нашего прославленного земляка, живописца, графика, ученика А.И. Куинджи, выпускника Академии художеств, заслуженного деятеля искусств. Он вошел в историю нашей культуры как выдающийся мастер пейзажной живописи, неповторимая оригинальность произведений которого отличала его от других пейзажистов, работавших в конце Х1Х — начале ХХ веков. Он стал создателем героико-романтических картин, посвященных преимущественно восточному Крыму — легендарной стране Киммерии, как называл художник эту землю вслед за древними греками. На выставке представлено 7 живописных полотен мастера и 10 акварелей.
Если живопись художника находилась в постоянной экспозиции галереи до ее закрытия на реставрацию, то представленные на выставке акварели, экспонируются редко, а некоторые представлены впервые: «Горный пейзаж с клубящимися облаками» (1920-е гг.), «Ущелье, окруженное высокими обрывистыми скалами» (1920-1930-е гг.) У посетителей музея есть уникальная возможность до конца февраля полюбоваться этими изысканными, лаконичными по колориту и совершенными по композиции работами художника.
В Феодосийской галерее им. И.К. Айвазовского 25 января в 15.00 открылась новая выставка «Камни древних городов, осиянные лучами» (К.Ф. Богаевский (1872–1943). Живопись. Графика.), приуроченная к 153-летю со дня рождения Константина Федоровича Богаевского – живописца, акварелиста, литографа, признанного мастера исторического пейзажа. На выставке представлено 7 живописных полотен мастера и 10 акварелей.
Живописные полотна художника отмечены возвышенным строем мыслей и чувств, яркостью и содержательностью образов. Синтезом длительных творческих исканий, итогом поисков собирательного образа крымского пейзажа стали произведения «Средневековый город» (1920-е). «Крымский пейзаж» (1930-е), «Старая гавань» (1941), представленные на выставке.
Если живопись художника находилась в постоянной экспозиции галереи до ее закрытия на реставрацию, то представленные на выставке акварели, экспонируются редко, и у посетителей музея есть уникальная возможность до конца февраля полюбоваться этими изысканными, лаконичными по колориту и совершенными по композиции работами художника.
